En el estudio: Ana María Hernando

Ana María Hernando es una artista multidisciplinar afincada en Colorado y becaria Joan Mitchell 2023. La entrevistamos sobre su trabajo y su práctica creativa en febrero de 2024. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Trabajo con textiles para hacer esculturas, y llevo haciéndolo unos 20 años. También soy pintora. He utilizado distintos materiales para crear cuadros y grabados, pero en los últimos años he pintado sobre todo con tintas acrílicas sobre papel. Las telas que utilizo, incluido el tul, tienen mucha transparencia. Es un poco como pintar con tela.

Cuando trabajo en un gran proyecto, también escribo sobre él. Acabo escribiendo poemas que me ayudan a pensar sobre qué trata la obra. Mi práctica de la escritura es paralela a la realización de mi obra.

He sido artista toda mi vida. Como todos los artistas, no sería la persona que soy sin ello. Por un lado, está la inmediatez del trabajo con diferentes materiales, y las relaciones que desarrollo con ellos, que es una relación con mi cuerpo. Pero luego el trabajo también me ayuda a conectar con los demás de esta forma más horizontal. Como trabajo en instalaciones y llevo mis esculturas textiles a espacios, siempre estoy pensando en las personas que pasarán por esos espacios y en cómo sus cuerpos se relacionan con ello.

Esa comunicación con otras personas que quizá nunca conozca me fascina. Pienso en el futuro y en el pasado, y en una forma de conectar también con todos esos otros seres por los que pasamos, pero que no siempre reconocemos como entidades, como los árboles y los pájaros y toda la vida que nos rodea.

Todas las cosas que hago están impregnadas de diferentes capas. Una capa es muy personal: las cosas que quiero aprender, las cosas que admiro, los lugares donde quiero expandirme. Admiro a las mujeres, a lo largo de los siglos, y me motiva lo femenino en el mundo: cómo de esta forma constante, a veces silenciosa, las mujeres siguen avanzando y cambiando el mundo, pensando en el panorama general, pensando en lo que es mejor para una comunidad. Creo que las mujeres lo han hecho muy bien en el mundo.

Soy originaria de Buenos Aires y vengo de una familia de tejedoras, de mujeres que se reúnen y trabajan juntas. Es una tradición que sigo y que quiero llevar al futuro, no sólo en cuanto a lo que hacemos, sino en cómo lo hacemos. Eso es importante en mi trabajo.

He vivido en Estados Unidos más tiempo del que viví en Argentina, pero veo cómo la cultura de la que procedo y mis abuelas españolas que se trasladaron de España a Argentina influyen en mi trabajo. Hay un tejido de los individuos que crea una imagen de lo colectivo. Quiero eso en mi trabajo.

La escala me fascina, y siempre es algo que me empuja a pensar de formas diferentes. Hago algunas obras que son pequeñas, pero también hago grandes instalaciones, incluidas obras de arte público que pueden extenderse por todo un parque. Cuando creo mis piezas de tul dentro de museos, me encanta cómo la obra se apropia del espacio y lo amplía de un modo majestuoso, pero al mismo tiempo lo hace íntimo, para que podamos relacionarnos con él y sentir cómo nuestros cuerpos conectan con él.

Con las instalaciones, la otra parte es trabajar sobre cómo tener en cuenta la arquitectura, y cómo hacer visibles los lugares que han sido invisibles. Me gusta llamar la atención sobre algún rincón en el que no reparamos, y entonces lo descubrimos. Si hago una exposición en un museo, sé que muchas de las personas que podrían pasar por él, también podrían ser visitantes frecuentes. Entonces, ¿cómo puede la obra hacer renacer el espacio? Me gusta ese reto y esa conversación.

Paso la mayor parte del tiempo en el estudio, así que el espacio del estudio es importante. Ahora mismo, estoy trabajando en un hermoso estudio que ha sido un espacio intermedio para mí durante cuatro meses. Está en un edificio llamado Escuela Evans. Es una antigua escuela, muy cerca del Museo de Arte de Denver. Tiene suelos de madera y unas ventanas preciosas. Es una gozada trabajar aquí. Me mudo dentro de dos semanas y espero instalarme en otro gran estudio.

Llego a mi trabajo desde distintos lugares. A veces aparece primero una imagen, y tengo que ser muy suave con ella. Tengo que escuchar atentamente de qué quiere tratar la obra. Con mis cuadros, llevo muchos, muchos años pintando flores y motivos. Diría que se ha convertido más en una forma de trabajar la abstracción. Para ello, no tengo mucho plan. Elijo una forma, una flor. Cuando viajo, hago fotos de plantas, hojas y flores, y me interesa su forma escultural. Empiezo con eso, pero luego la pintura va y me lleva a lugares que no había planeado.

Con mis instalaciones, el proceso es el contrario. Cuando creo obras para un lugar, voy al espacio y siento el espacio. Como decía antes, me relaciono con cómo se mueven los cuerpos en él. Entonces, cuando estoy allí, tengo una idea, y empiezo a averiguar cómo hacer visible esa idea. A veces hago bocetos, que también me ayudan a crear las propuestas. Pero con otras piezas, simplemente elijo un color. He estado trabajando mucho con tul, que me encanta. Elijo el color, y luego empiezo a combinarlo con otros colores, para crear nuevos colores con las capas y nuevas relaciones al colocarlos juntos. Eso es parte del proceso.

Ahora mismo tengo una exposición temporal que se puede ver en el Madison Square Park de Nueva York. La exposición se llama To Let the Sky Know / Dejar que el cielo sepa, y en muchos sentidos es una declaración de lo que quiero, y mi invitación a los demás: ¿qué queremos que sepa el cielo? Todo está hecho con abundante tul, sobre estructuras colocadas en distintos lugares del parque.

Una de las cosas que me gustan mucho del tul, y de la mayoría de los tejidos con los que trabajo, es que son muy suaves, pero tienen una gran presencia cuando los presentas en abundancia. En mi trabajo, quiero hablar del poder, pero nunca me he relacionado personalmente con el poder del bronce o de otros materiales más definidos. Pero con estas telas, siento y me gusta su flexibilidad. Es un poder suave. Hay abundancia y perseverancia en el material, y así es como quiero hablar del poder. Se relaciona con lo femenino y con una presencia que obviamente está ahí. No desaparece. Me parece que estas piezas en Madison Square Park, extendidas como están, tienen una presencia. Y eso me gusta.

Planifiqué esta exposición para que los visitantes se encontraran con obras procedentes de distintos lugares. Es una gran oportunidad porque 50.000 personas al día visitan el parque. Estar en una conversación tan dispersa es un lujo. La gente ha estado publicando en Instagram y enviándome correos todo el tiempo. Con tanta gente publicando fotos, para mí es casi como estar allí en Nueva York, como si tuviera una cámara, y puedo ver cómo cambia la obra. Hice estas piezas con el equipo de Denver, y luego estaba el equipo de Nueva York, pero mi mayor colaborador es el tiempo, porque el trabajo cambia con la nieve, la lluvia o el viento. Es genial, y requiere una rendición por mi parte.

Una cosa de esta exposición en el Madison Square Park, y también de la pieza en la que estoy trabajando ahora para el Museo Nacional de Mujeres en las Artes, es que quiero crear un espacio para la añoranza, y una llamada para que recordemos que aunque haya tanta tragedia y tengamos tanta decepción sobre la humanidad, también hay muchas cosas maravillosas por las que estamos trabajando. Quiero que estas piezas hagan de hilo conductor entre nuestros corazones y estos deseos y sueños, como una especie de plegaria por lo que podemos hacer y por lo que podemos ser. Espero que esta obra de Nueva York pueda viajar. Puede que viaje aquí, a Denver y a Boulder.

Como ya he mencionado, estoy trabajando en una nueva pieza para el Museo Nacional de la Mujer en las Artes. Es para una exposición llamada Women to Watch 2024, que se inaugura el 10 de abril. Hay mujeres de todas partes, sobre todo de Estados Unidos, pero de todo el mundo. Yo voy a representar a Colorado. Esta pieza está hecha con una variedad de naranjas y rosas. Me encantan los colores en general, pero para mí esos colores tienen una vivacidad. Espero que invite a lo que hablaba antes: esa idea de conectarnos con una fuerza vital y un anhelo.

También tengo una próxima exposición en Suiza en otoño, otra en la Fundación de Arte La Napoule a finales de verano. Y luego tengo otros proyectos y encargos. Es uno de los retos de ser artista: cómo hacer un seguimiento de todo ello, porque cuando los proyectos están en distintas fases, cada uno exige mucho de ti. Es fácil perder el hilo y olvidarse del corazón. Es como sostener una flor en el bosque. ¿Cómo lo haces?

También estoy muy agradecida a la Fundación Joan Mitchell por participar en el programa de becas. Veo que se trata de una comunidad y me siento muy apoyada. Como artista, es muy vulnerable mostrar tu trabajo y estar ahí fuera. Tener una comunidad que te sostenga, creo que es importante para todos los artistas. La comunidad de la Fundación Joan Mitchell se extiende a lo largo de kilómetros y kilómetros. Estoy muy agradecida de formar parte de ella.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Ana María Hernando en anamariahernando.com y en Instagram.