En el estudio: Adam de Boer

Adam de Boer es un artista afincado en Los Ángeles y beneficiario en 2021 de la Joan Mitchell Fellowship. En abril de 2022 le entrevistamos sobre su obra y los procesos de su estudio. Lo que sigue es una transcripción editada de esa conversación.

Hago obras con técnicas mixtas inspiradas en mi identidad mestiza, concretamente en mi ascendencia holandesa e indonesia. Mi padre nació en Java y se convirtió en refugiado político con su familia, trasladándose primero a Holanda, luego al Caribe y finalmente a California a finales de los años 60, como consecuencia de la Independencia de Indonesia. Esa historia quedó un poco olvidada a medida que avanzaban en sus procesos de asimilación estadounidense.

A través del arte y del surf, encontré el camino de vuelta a Indonesia a mediados de mis 20 años. Y desde entonces, he tomado esa historia como fuente para hacer obras y pensar en la forma en que mi trabajo puede hablar al mundo actual. El pasado es prólogo, y aún no hemos superado muchas de las historias coloniales que comenzaron hace cientos y cientos de años.

Como forma de comprometerme con esa historia y comprenderla -porque no sabía nada antes de los veintitantos años-, me fui a Indonesia y empecé a trabajar con las manos. Me interesé por el diseño textil, el batik, la talla en bajorrelieve, las esteras tejidas, el trabajo del cuero... me tomé tiempo para estudiar con artesanos, simplemente para reunir todos estos materiales diferentes y poder mezclarlos de formas que me parecieran interesantes, de formas que me ayudaran a articular las historias que intentaba contar.

Junto a toda esa información artesanal, mi obra también se nutre del canon de la historia del arte occidental desde aproximadamente el siglo XIV en adelante. Me formé en la Universidad de California Santa Bárbara, estudié en Italia, cursé estudios de posgrado en Chelsea, Londres, y pasé mucho tiempo en Europa. Muchos artistas han utilizado este tipo de "multiculturalidad" para trabajar. Desde el principio, hay ejemplos en las antigüedades indonesias de todas estas diferentes influencias portuguesas o chinas, etc. Me interesa lo omnipresente que es y ha sido esta mezcla. Está por todas partes, una vez que empiezas a mirar. Aunque suene muy personal y algo académico, creo que mi trabajo surge realmente de la observación directa e intento hacer cosas lo más abiertas posible.

Mi familia no conserva ningún documento de Indonesia. Y mi padre era bastante joven cuando se trasladó y no tenía ningún interés particular en la historia. Mis antepasados mayores han muerto. Así que no había nada que realmente me guiara diciendo: "Vale, la bisabuela que sea nació en esta ciudad. Deberías ir allí y averiguarlo" Realmente no sabía nada. Ni siquiera sabía ningún nombre. Así que empecé a inventar historias o a imaginar lo que podría haber sido.

Muchas de las cosas sobre las que he trabajado en el pasado son ciertos arquetipos que se forman en torno a historias postcoloniales generales o historias coloniales. La ficción histórica indonesia ha informado el trabajo que he realizado. Hay un importante conjunto de novelas llamado Cuarteto Buru, escrito por un periodista llamado Pramoedya Ananta Toer, que estuvo exiliado durante mucho tiempo. Escribió miles de páginas de una narración que básicamente describe toda la historia de la independencia de Indonesia a lo largo de un par de generaciones. Así que hice un trabajo sobre eso. Imagino a los personajes, cómo son, cosas así, pero intento por todos los medios no ser demasiado prescriptivo. Creo que ahí es donde puede fallar mucho arte representativo cuando trata estas políticas concretas. Suele resultar tedioso para los espectadores y también para la gente que lo hace. Esto no es un cartel político, es un cuadro, y debería funcionar de otra manera.

Acabo de terminar una serie de obras para la exposición NADA NY(Hunter Shaw Fine Arts en la Feria NADA, mayo de 2022, Nueva York). Es una pequeña serie -seis piezas- que trata de captar, en batik, la luz de Los Ángeles esta primavera. Todas las piezas se hicieron en los últimos dos meses, y cuentan la historia del arco de un día. Así que hay una para el amanecer, la mañana, el mediodía, la tarde, el atardecer y la medianoche. No creo que la galería me deje instalarlas así -es demasiado exagerado-, pero creo que queda bien todo junto.

Para la mayoría de la gente, simplemente parecen cuadros de Los Ángeles, pero para los espectadores más informados o las personas con las que hablo en el stand, pueden preguntar: "Vale, pero ¿cómo es el material? Parece extraño. ¿Qué son esas líneas blancas?" Y entonces pueden entenderlo, son pinturas de LA hechas con batik. Así que la respuesta a esta pregunta: "¿Por qué será? ¿Cómo surgió este objeto?" es el objetivo de la obra.

Ha habido mucho arte que se ha inspirado en las telas de cera holandesas, que son un proceso similar al batik. Por ejemplo, Kehinde Wiley o Yinka Shonibare utilizan ese tejido como una representación de la historia y la política del colonialismo europeo. Para ellos, creo que mientras lo citen, entonces lo tratan. Mis primeros experimentos con el uso del batik como medio artístico tuvieron que ver con eso. Compraba batiks, pareos y cosas así, los fotografiaba, dibujaba a partir de ellos, los cortaba y hacía collages con ellos. Pero entonces pensé, no es lo suficientemente cercano. Realmente estoy intentando comprender esto. Y al fin y al cabo soy pintora. No quiero limitarme a ilustrar estas ideas. Quiero que mi obra encarne estas ideas.

Cuando empecé a pintar utilizando técnicas batik, me di cuenta de lo que me permitía. Esencialmente, la forma en que hago estas pinturas es delineando las formas con cera de abeja utilizando un aplicador de cera tradicional javanés llamado tjanting. Luego mezclo docenas de lavados acrílicos para que floten sobre las líneas de cera y entre ellas.

Me encanta la acuarela, y eso me llevó hace años, antes de ir a Indonesia, a pintar manchas. Las pinturas de manchas son realmente complicadas, sobre todo si te interesan las imágenes representativas, porque no puedes controlarlas muy bien. Así que lo que el batik me está permitiendo hacer son pinturas de manchas de gran formato, completamente controladas (más o menos), que además son archivables. Solía trabajar en el Museo Hirshhorn, en el laboratorio de conservación y en la colección de pintura. Así que desde muy joven he sido muy consciente de los materiales, de cómo envejecen las obras de arte, de tu responsabilidad una vez que salen del estudio, sobre todo si las vendes o las coleccionan instituciones.

Otra cosa buena del batik es que la cera se elimina mediante un proceso de ebullición. Así que lo friegas y es como meter la ropa en una lavadora caliente. Todo se vuelve muy suave, y eso se percibe en la pieza final. Aunque el espectador no pueda articularlo ni entender lo que está viendo, el color está en la superficie. No está en la superficie. Así que hay algo como... "Suave" es el adjetivo que describo, pero hay algo más que eso... Es una especie de enigma, y lo aprecio.

Debo señalar que yo lo llamo batik, pero si estuviera en Indonesia, no lo llamarían batik porque en realidad no lo hago correctamente. A lo largo de unos 10 años, he ido haciendo mío el proceso, porque tengo necesidades muy específicas. No utilizo baños de tinte. Utilizo pinturas acrílicas diluidas, en parte, para poder controlar el tono mucho más sutilmente y ver realmente el color real en la taza, en lugar de depender de algunas cosas prefabricadas que tengo que mezclar con aparatos de medición. Te vuelves más químico cuando trabajas con tintes. Y como ya he dicho, me preocupa la archivabilidad de los cuadros, así que es mejor evitar los pigmentos vegetales tradicionales si quieres que el objeto cambie muy poco con el tiempo.

Creo que he cruzado un umbral en cuanto a lo que puedo hacer con el color en batik y cómo puedo controlarlo. Como las telas se hierven, se pierde mucha saturación. Es una larga historia, pero las sobresaturé al hacerlas. Mediante un minucioso proceso de ensayo y error, he memorizado cómo cambian las distintas tonalidades en el proceso de ebullición. Y luego, para ir más allá de lo que ese tinte concreto y el proceso de ebullición pueden hacer, añado lápices de colores, pintura al óleo, otros medios que se utilizan como forma de ajustar la saturación y también la textura.

Lo que intento realmente es hacer que el batik sea lo más natural posible, lo cual es un poco extraño porque hay una línea blanca alrededor de cada forma en la que se aplica cera, así que debería parecer plano en una especie de pintura "alllover". Es tan plano como puede serlo de cerca, pero con un poco de distancia, esa ilusión de profundidad aparece debido a cómo está coloreado. Como he dicho antes, estudié en Italia, y los primeros conceptos italianos de organización del espacio informan todo en mi obra. Pero intento mantener ese aspecto lo más invisible posible para el espectador, porque a la mayoría de la gente le aburren mucho estas conversaciones sobre el proceso..

Ahora mismo tengo muchas exposiciones en el horizonte, y creo que gran parte de ello se debe a la Joan Mitchell Fellowship y a la visibilidad que ha dado a mi trabajo. Literalmente, me ha cambiado la vida, pero estoy segura de que eso te lo dicen todas las personas. Estoy ocupada durante dos años en todo el mundo. Por primera vez en mi vida, no tengo un trabajo a tiempo parcial. Me estoy tomando un descanso de la enseñanza. Tengo muchos plazos para pintar.

Próximamente participaré en una exposición colectiva en Ben Brown Fine Arts de Londres. La instalación actual está en su espacio de Hong Kong, y expongo con algunos de mis héroes de la pintura, entre ellos Chris Ofili, que es una de las razones por las que fui a la escuela de posgrado de Londres en primer lugar. Así que intento seguir sus pasos.

Luego participaré en una exposición colectiva en Dubai con Taymour Grahne Projects, una galería de Londres. Luego tengo una exposición individual en Yakarta con una de mis galerías favoritas del mundo, casualmente, esta institución llamada Gajah Gallery. Y esta semana me acaban de dar luz verde para una exposición individual que se inaugurará allí en febrero de 2023.

Para mí es bastante interesante tener una serie de exposiciones próximamente, porque, como he dicho, utilizo diversos materiales, ya sea pintura, dibujo, acuarela y todos estos oficios diferentes. En realidad, no las veo como distintas unas de otras. Simplemente, tienes la idea y eliges el material que te ayuda a ilustrarla. Agradezco poder exponer en lugares tan distintos porque me permite ser selectiva con las obras que hago y con las historias e imágenes que llevo a los distintos escenarios. Así que puedo hacer obras que sean paisajes sobre Los Ángeles, y también contar historias sobre Java y mi padre y el tigre en Indonesia. Me permite ser estratégica sobre quién ve qué y cuándo.

Entrevista y edición de Jenny Gill. Más información sobre la obra de Adam de Boer en adamdeboer.com.