Una introducción a través de obras clave
Joan Mitchell exploró diversos enfoques de la abstracción a lo largo de su carrera, desde sus estudios en el Instituto de Arte de Chicago, pasando por años críticos en París y Nueva York desde finales de los 40 hasta los 60, hasta sus últimas décadas viviendo en la campiña francesa. Aquí hemos seleccionado un conjunto de obras clave que ponen de relieve temas importantes y momentos de transición en su obra.
Backyards, 1950
Como estudiante de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago entre 1945 y 1947, Mitchell estudió y experimentó con la evolución de la pintura moderna desde mediados del siglo XIX en adelante. Sus cuadros de 1948-50 se relacionan con el cubismo y su planteamiento de representar formas y espacios mediante constelaciones de formas geométricas planas. Backyards, de 1950, capta un paisaje urbano denso y entretejido de fachadas de edificios, ventanas y espacios verdes. Fue pintado poco después de que Mitchell regresara a Nueva York desde Francia, en un periodo en el que su obra se volvió rápidamente cada vez más abstracta y empezó a centrarse más en la interacción de formas y colores que en la representación de sus temas.
Cross Section of a Bridge, 1951
En 1951, Mitchell se había adentrado de lleno en la abstracción, creando un conjunto de obras en las que abandonaba la imaginería reconocible en favor de formas entrelazadas en una paleta de grises y azules fríos animada con estallidos de rojo y amarillo vivos. Aunque la mayoría no tienen título, algunas, como Sección transversal de un puente, llevan títulos que sugieren anclajes en paisajes observados, ya sean rurales o urbanos. A lo largo de su carrera, los cuadros de Mitchell suelen conectar directamente con sus experiencias de lugares reales, personas, poesía y música, nunca como corolarios visuales directos, sino como destilaciones o transposiciones de sus recuerdos y respuestas.
Evenings on 73rd Street, 1957
Mitchell se describía a sí misma pintando "la sensación de un paisaje" Para ella, la idea de paisaje abarcaba espacios urbanos, rurales e incluso sociales. El título de Veladas en la calle 73 hace referencia a las animadas reuniones que celebraba con su círculo de amigos poetas y pintores en casa de Hal Fondren, en la calle 73 de Manhattan. Con sus pinceladas enérgicas y ramificadas, su compleja paleta de colores y el uso liberal de la pintura blanca para articular el espacio y la luz, este cuadro ejemplifica el estilo característico de Mitchell de los años 50, desarrollado cuando ella -junto con sus compañeros Willem de Kooning, Michael Goldberg, Philip Guston y Franz Kline- estaba en el centro de las conversaciones neoyorquinas que hacían hincapié en la creación de obras que fueran expresiones auténticas y directas de la individualidad o la experiencia del artista.
Blue Tree, 1964
Tras mudarse a París en 1959, Mitchell empezó a experimentar vertiendo, arrojando y frotando pintura en sus lienzos para construir gruesas masas centrales de color rodeadas de zarcillos goteantes y lavados atmosféricos. En Árbol azul, un marrón terroso sirve de base a los vibrantes azules, animados por destellos de violeta y rosa. En este periodo, Mitchell se inspiraba a menudo en el paisaje rocoso y los árboles escarpados del Mediterráneo, ya que solía navegar por Córcega y la costa francesa.
Sunflower, 1969
Tras mudarse en 1968 a Vétheuil, un pueblo de la campiña francesa al noroeste de París, Mitchell abrazó el color de una forma nueva, creando lienzos exuberantes y descaradamente bellos con referencias directas a la naturaleza. Un conjunto de cuadros Girasoles de 1969 conecta con su interés de toda la vida por los cuadros de Vincent Van Gogh, cuya obra conocía de niña por sus visitas al Instituto de Arte de Chicago. En 1986, dijo de los girasoles: "Tienen un aspecto tan maravilloso cuando son jóvenes y son tan conmovedores cuando están muriendo... Me gustan solos o, por supuesto, pintados por Van Gogh"
Plowed Field, 1971
Plowed Field mide más de cinco metros de ancho. Sus ricas manchas doradas, verdes, ocres y rojas sugieren una vista aérea o panorámica de campos agrícolas, ofreciendo una perspectiva visual del paisaje diferente a la de gran parte de la obra anterior de Mitchell. Desde principios de la década de 1960, Mitchell había estado uniendo varios lienzos en un único cuadro acabado, utilizando las interrupciones verticales entre paneles para inducir la mirada hacia delante y hacia atrás e influir en el ritmo general de la obra. El formato de varios paneles le permitió hacer cuadros tan amplios, que reflejan la experiencia física de estar de pie o moverse por el mundo natural.
Heel, Sit, Stay, 1977
A finales de la década de 1970, Mitchell empezó a cubrir sus lienzos con densas pinceladas verticales. Realizadas principalmente en tonos verdes y azules, estas obras sugieren la experiencia de sumergirse en un verde jardín o bosque. Mitchell se sintió atraído por la pintura abstracta por su capacidad de conectar múltiples ideas, recuerdos y sentimientos a la vez. El título Heel, Sit, Stay hace referencia a los queridos perros de Mitchell; pasar tiempo en sus jardines de Vétheuil con ellos era una parte central de su vida cotidiana y quizá un punto de partida para esta obra.
La Vie en rose, 1979
La composición de La Vie en rose se despliega en sus cuatro paneles como los cuatro movimientos de una sinfonía, cada uno de los cuales se apoya en el otro pero con distinta intensidad. Creado en un momento de cambio vital, cuando Mitchell se separó del pintor Jean Paul Riopelle, su pareja durante mucho tiempo, el título hace referencia sardónicamente a la famosa canción de amor de Edith Piaf, y el cuadro era el más grande y ambicioso que había realizado en aquel momento. Monumental y melancólica, La Vie en rose habla del amor perdido, pero también bulle de vida, pues la dedicación a la pintura siguió impulsando a Mitchell.
Grand Vallée IX, 1983
Las obras Grand Vallée de Mitchell se inspiraron en el recuerdo que tenía un amigo de jugar de niño en un idílico valle del campo. Estas obras no tienen parangón en la obra de Mitchell por su intensidad de color y su pincelada muy unida, y muestran una extraordinaria gama de matices. Las superficies explosivas y las inusuales armonías de color sugieren el poder desenfrenado y regenerador de la naturaleza.
Faded Air I, 1985
Distinguida por su color discordante y sus marcas crudas y desgarradas, Faded Air I fue pintada cuando Mitchell se enfrentaba al impacto del SIDA entre sus amigos, así como a su propio diagnóstico de cáncer. Mitchell arrancó sin miedo una composición poderosa y conmovedora de un color poco convencional y poco atractivo, demostrando su determinación de seguir desafiándose a sí misma y a las convenciones de la pintura en la última década de su vida.
Sin título, 1992
En los últimos años de su vida, la obra de Mitchell se vinculó aún más a la naturaleza y la línea que separa la abstracción de la representación se hizo más porosa, a medida que seguía probando nuevas ideas y métodos. Los puntos de referencia directos se hicieron más reconocibles, sobre todo los árboles y los girasoles, que había pintado y titulado como obras suyas desde mediados de la década de 1950. Los girasoles de Sin título aparecen aislados sobre un fondo brumoso, una oda hermosa, doliente y vulnerable a la naturaleza, a Van Gogh y a su propia vida como pintora.